Colita concluye su historia de amor con el flamenco

 "Para mí esta es la mejor exposición que he hecho en mi vida y por eso he decidido que mi historia con el flamenco se va a acabar aquí porque es el colofón perfecto". Así de claro lo tiene Isabel Steva (Barcelona, 1940) tras inaugurar hoy jueves en la Alhambra Colita. Flamenco. El viaje sin fin, una muestra que reúne 79 fotografías en blanco y negro realizadas entre 1962 y 2000. La más completa que ha realizado la artista sobre un género al que ha vuelto intermitentemente a su carrera. Una historia que comenzó en 1962 cuando la joven fotógrafa y periodista comenzó a retratar a los gitanos de los arrabales de Barcelona, en los barrios de Somorrostro y Montjuic; aunque el verdadero flechazo se produjo un año más tarde durante el rodaje de Los Tarantos, de Francesc Rovira i Beleta.

¿Cómo eran los romanos en la cama?

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El comportamiento sexual de los romanos es mucho más conocido que el de otros pueblos de la antigüedad, como los egipcios. Ello se debe a los abundantes textos clásicos, esculturas y frescos, como los de Pompeya, sobre el tema que han llegado a nuestros días. El Museo de Prehistoria de Valencia ofrece desde este jueves y hasta el 30 de abril una exposición que reúne 79 piezas de iconografía erótica romana y una interpretación de los autores clásicos para contestar a las preguntas de cómo eran las prácticas sexuales, el matrimonio y "los vicios privados" en el largo periodo que va de la República al siglo IV.

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photo: rogério barroso. Rio Tejo.

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photo: rogério barroso. Sombras.

El Louvre celebra los 80 años del ‘Guernica’

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 A solo tres meses del 80º aniversario del bombardeo de Guernica y de la correspondiente obra maestra que Pablo Picasso pintó para rendir homenaje a sus víctimas, el Museo del Louvre se adelantó este jueves a la efeméride dedicando un ciclo de películas que reflejan cómo el cine ha intentado reproducir la compleja esencia de esa obra, encargada por el Gobierno republicano para la Exposición Universal que se celebró en París en 1937. El ciclo, organizado en el marco de las Jornadas Internacionales del Cine sobre Arte, incluyó cortometrajes a cargo de directores tan reconocidos como Robert Flaherty, Alain Resnais, Emir Kusturica o Iñaki Elizalde.

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photo: rogério barroso. Abraços.

Por qué se hundirá Sisi en 2017

Después de haber aplastado a todos sus rivales y amordazado los medios, Sisi ya no tiene a quién culpar por la miseria en que ha sumido a los egipcios.

Tradicionalmente, un año nuevo empieza con esperanza. Pero desde que Abdel Fattah al-Sisi se hizo con el poder en Egipto, la esperanza es muy difícil de conseguir.

Hace un par de días* estaba hablando con un conocido mío en Nueva York. Hacía poco tiempo que él había llegado procedente de Egipto; pronto quedó claro que esta falta de esperanza –y creciente irritación– es la nueva normalidad egipcia.

Debido a la hiperinflación en Egipto, el salario de mi amigo ya no tiene valor en Nueva York. “Hace tres años compré una lavadora por 3.500 libras egipcias (195 dólares). Ayer, la misma lavadora me habría costado 17.000 libras (945 dólares)”, me dijo.

Aun así, él está en una posición económica mucho menor que muchos egipcios de clase media y media baja. A no ser que uno esté ahogándose, como ellos lo están, se está obligado a entender este grave pronóstico: sin un importante y prácticamente inmediato cambio en lo político y en lo económico, es improbable que Sisi pueda acabar este año en el cargo.

Esta semana, en la misma cafetería de Nueva York cuyos dueños eran en un 99 por ciento partidarios de Sisi y en el pasado utilizaban la fuerza física con quienes se expresaran contra él, hubo una sorprendente conversación: ¿quién puede reemplazar a Sisi?

Para muchos, la cuestión ya no es que Sisi debe marcharse, sino cuándo y quién le reemplazará. Entonces, la pregunta decisiva es: ¿se dan conversaciones similares en los círculos de poder?

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photo: rogério barroso. Parque das Nações.

‘Thriller’ de sangre y viñetas en el Museo del Prado

 Ahora que hasta los jerarcas de los primeros museos del mundo editan cómics con satisfacción y hasta orgullo, es de suponer que a quienes durante tanto tiempo —y aún hoy— se burlaron del arte secuencial de la historieta y le negaron cualquier rango de creación seria, les deben de estar doliendo las tripas. Que si los tebeos no eran arte. Que si no podían salir en las páginas de Cultura de los diarios como salen el arte, la literatura, el ensayo, el cine, la música o el teatro. Que si cómo se puede comparar a Hergé y Winsor McCay con Zygmunt Bauman y John Berger.

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photo: Rogério Barroso. Parque das Nações.

La intimidad "azul" de Frida Kahlo

México era un hervidero de muralistas y vanguardias cuando Leo Matiz llegó en el año 1940. Sin embargo, no era eso lo que el fotógrafo y reportero de guerra perseguía. Su objetivo era otro: cumplir el sueño de entrevistarse con Trotski. También había revolución por aquellos días en Coyoacán, gracias al exilio mexicano del creador del Ejército Rojo. La mala fortuna hizo, no obstante, que el colombiano aterrizase en México el mismo día en que Ramón Mercader asesinaba a Trotski, aquel 21 de agosto de 1940, sumando una fecha más con la que quedó marcada su vida.

Matiz nació en Aracataca, el pueblo colombiano que alumbró también a Gabriel García Márquez. Lo hizo 10 años antes de que naciera el autor de Cien años de soledad, y casualmente, llegó a tierras mexicanas una década antes que el literato, exportando "ese Macondo de los colombianos" que Matiz ya había arrastrado por ciudades de todo el mundo, adonde llegaba haciendo fotografías para revistas como El tiempo

Los amigos del señor Cervantes

No habría hecho uno mucho por conocer y tratar a Lope o a Quevedo, a Mateo Alemán o a Góngora, sin que nada de esto menoscabe el mucho aprecio y admiración que siente uno por las obras de todos ellos, en muchos aspectos «mejores» que las de Cervantes, si acaso podemos hablar de ese modo y comparar lo incomparable.

Con Cervantes acaba sucediendo, sin embargo, algo diferente. A Cervantes lo hubiera uno querido conocer, aun sin haber leído sus libros. Querríamos haber coincidido con él en una venta o en una taberna o donde fuera. Creo que si es tan buen escritor fue por haber ido de incógnito por la vida, sin darse ninguna importancia. Aunque se elogia a veces (a ese «defectillo» aludió cariñosamente Azorín), jamás se dio importancia.

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photo: rogério barroso. Santa Engrácia.

El Museo del Bardo vive y no se rinde

 "¿Tú vas a Túnez? Yo, sí", decía un anuncio que colgaba de algunas farolas en las calles de Roma hasta hace escasos meses. Con el anuncio, se animaba a visitar Túnez a pesar del ataque contra el Museo Nacional del Bardo ocurrido el pasado 18 de marzo y en el que murieron 22 personas. En junio, tras un nuevo atentado contra extranjeros en el país magrebí -esta vez en una playa de la localidad de Susa donde un terrorista abrió fuego contra los turistas que tomaban el sol-, la publicidad desapareció de las calles de Roma. Ahora, tras cinco meses, se inaugura en Italia una exposición con obras del Museo del Bardo. Ya que la montaña no va a Mahoma, Mahoma va a la montaña.

Las «Cuatro Marilyns» de Warhol, subastadas por 36 millones de dólares

El icónico cuadro «Four Marilyns» (Cuatro Marilyns) de Andy Warhol, de la serie de la retratos posmodernos que el artista estadounidense realizó de la diva de Hollywood se subastó hoy en Christie's por 36 millones de dólares de precio final.
La obra se inscribe dentro de la serie de retratos que Warhol pintó de Marilyn Monroe tras impresionarse enormemente por la muerte temprana de la estrella de «Con faldas y a lo loco» y «La tentación vive arriba». La imagen en tonos pastel multiplica por cuatro una imagen de la actriz extraída de la promoción de su filme «Niágara».

Sale a subasta una obra impresionista que Dalí pintó con 16 años

 Reconocido por su gran legado al surrealismo, Salvador Dalí (Figueras 1904-1989) también tuvo una época impresionista cuando era joven, más precisamente, a los 16 años. Como Claude Monet en Giverny, pintaba en plein air en el lago de Vilabertran, cerca de Figueres (Girona) y en 1919 comenzó a trabajar en una obra impresionista, un óleo sobre lienzo, El llac de Vilabertran, la cual sale a la venta el 10 de noviembre en Fernando Durán Subastas.

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photo: rogério barroso. Lisboa.

“Nunca sé si la foto es buena hasta que la revelo, a pesar de los años”

 Sentado en una cómoda butaca en un remedo de taberna caribeña abierta en una antigua fábrica de gas de Ámsterdam, Elliott Erwitt, de 87 años, uno de los fotógrafos más famosos de la emblemática agencia Magnum, asegura con picardía que “la mejor imagen siempre es la siguiente”. Aunque la respuesta parece una evasiva para no elegir entre las miles de instantáneas de su veintena de libros, no es eso. Apodado el maestro del momento oportuno, capaz de captar con igual agudeza a una pareja anónima besándose que a Marilyn Monroe, Richard Nixon, Jacqueline Kennedy en el funeral por el asesinato de su esposo o Bob Dylan, admite que “una buena situación mejora las posibilidades de dar con la escena adecuada”. Pero no todo es suerte ni oportunidad. Un cierto grado de incertidumbre parece ser el ingrediente esencial para que la fórmula funcione, porque, según asegura: “Nunca sé si la foto es buena hasta que la revelo, a pesar de los años que llevo en esto”.

El eterno femenino a los ojos de Klimt, Schiele y Kokoschka

La identidad sexual moderna tiene sus orígenes ahí en los primeros años del siglo XX, los más productivos de las tres estrellas de la pintura austriaca: el simbolista Gustav Klimt (1862-1918), el expresionista (y poeta) Oskar Kokoschka (1886-1980) y el también grabador Egon Schiele (1890-1918). El Museo Belvedere de Viena repasa aquel génesis desde la mirada desde estos tres hombres hacia las mujeres, con una exposición que muestra la colaboración de estos artistas en el rompimiento con los imperativos morales del siglo XIX que da paso a una nueva era en la que cambiarán los roles sexuales tradicionales.
No fue solamente la creciente participación de la mujer en la sociedad lo que agitaba la calma burguesa del fin de siglo vienés, sino que el sincero deseo manifiesto de la lujuria sexual de hombres y mujeres. Un corte transversal a aquellos cambios en el imaginario colectivo de la época es lo que se refleja en «Klimt/Schiele/Kokoschka y las mujeres», la exposición del palacio Belvedere Inferior que se acerca a ese nuevo espíritu desde la mirada plasmada en tela de estos tres monstruos de la pintura europea. Cada uno desde su constelación artística, pero con evidentes similitudes entre ellos.

Picasso, el 'fan art'

Con poco más de 10 años, dos experiencias reveladoras que más o menos llegaron al mismo tiempo y de las que Picasso hizo virtud y biografía: crear y las 'manolas' (el tocarse de niño de toda la vida, vamos). Muy importantes las dos en su obra hasta el último momento. Y las dos las perfeccionó, claro. Del erotismo y el sexo se ha disertado de forma cumplida. El Centro Cultural Bancaja se centra en una extensísima exposición de más de 200 piezas en lo primero: los maestros del malagueño y su influencia en su trayectoria.

Con 13 años (algunos de esos primerísimos trabajos se han llegado a subastar por más de 2 millones de euros), en los parones de los viajes de familia, Picasso se convirtió en un 'fan', un admirador, del sufrimiento de colores y el trazo de Velázquez, Zurbarán, de Goya, Rafael o El Greco. "Por primera vez pude enfrentarme a mis ídolos". Estaban en Madrid. En el Prado. Y de ellos hablaba.

En una libreta empezó intentando copiar el estilo de Velázquez y meter algo del suyo en esa atmósfera sórdida y marginal de enanos y bufones. Esa herencia que recogió muy disciplinadamente le llevó a pasar más de 8 horas al día frente al cuaderno para reproducir los temas que veía en las obras de los demás. Fue prolífico, sobre todo, en la relación del artista con las modelos y el autorretrato del pintor como el que no quiere la cosa. Aquí la influencia de Velázquez es indiscutible. Y es Velázquez, también, el autor patrono por el que más respeto pudo sentir, si se tiene en cuenta que tardó 60 años en versionar 'Las Meninas', aunque lo hizo con fruición: 44 veces en 1957.

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photos: rogério barroso. Praia da Torreira.

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photo: rogério barroso. Ria de Aveiro - Torreira.

¿Pintó El Bosco los ‘pecados’ de El Prado?

 Casi cincuenta años han tardado los expertos en fijar en 340 el catálogo de obras legítimas de Rembrandt, el maestro del Siglo de Oro holandés. Con El Bosco (1450-1516), el famoso pintor de Brabante que no fechó y apenas firmó su producción, las sorpresas sobre la atribución no han hecho más que empezar. Según el Proyecto de Investigación y Conservación, en Holanda, dedicado desde 2010 a su trabajo, tanto Mesa de los pecados capitales (El Prado) como Cristo con la cruz a cuestas (Museo de Bellas Artes de Gante), no son suyos. Si bien fueron ejecutados en su entorno y en su época, “lo más probable es que se deban a sus seguidores y por tanto no se le pueden adjudicar”. Así lo afirma el historiador del arte Matthijs Ilsink, coordinador del Proyecto, que sustentó ayer su hallazgo en el programa Nieuwsuurde la televisión pública holandesa. El Museo del Prado, de Madrid, por el contrario, cree que la tabla sí es del artista, y sus propias conclusiones aparecerán en mayo, cuando la exposición viaje a Madrid.

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photo: rogério barroso. Ombreira de porta.

‘Satisfaction’: Un grito de frustración y deseo

Todo fue tan simple como juntar un riff y un par de frases. El riff era sucio, manchado de distorsión. Las frases era tan contundentes como el dibujo de la guitarra: I can't get no, satisfaction. Ambos elementos, juntos y manejados por los Rolling Stones, subieron la temperatura del verano de 1965. Satisfaction fue una de las primeras señales evidentes de que la música pop empezaba a ser algo reivindicativo.

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photo: rogério barroso. Parque das Nações.

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photo: rogério barroso. Gaivota numa rua de Barcelona.

Una plaga de moscas artísticas invade la plaza de Las Ventas

"Vosotras, las familiares/ inevitables golosas,/ vosotras, moscas vulgares/ me evocáis todas las cosas". Es la primera estrofa de un famoso poema que Antonio Machado, que le puso música Joan Manuel Serrat, y que ha servido de inspiración al artista Eugenio Ampudia para su última instalación en Madrid. En su caso se trata de una plaga de moscas, alrededor de un millar, que ha invadido los bajos del tendido número 11 de la plaza de Las Ventas. Son moscas elaboradas con papel, sobres o postales relacionados con el mundo del arte que el creador vallisoletano (1958) ha transformado en insectos dípteros.

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photo: rogério barroso. Bailando.

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photo: rogério barroso. Vaso.

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photo: rogério barroso. Rosas.

El fantasma de Dalí se adueñará del Pabellón de España en Venecia

Dalí está ya borrado de la historia del arte y no es más que un potente elemento para el mercado y género de masas. Apoyó a la dictadura franquista, firmó hojas en blanco destinadas al mercado, jugó a ocultar su sexualidad. Estafó como artista y como persona. Presumía de no pagar impuestos. A partir del convencimiento de que todas estas afirmaciones no tienen vuelta de hoja, el comisario Martí Manen(Barcelona, 1976) ha creado el proyecto titulado Los sujetos que desde el 9 de mayo se podrá ver dentro de la 56º edición de la Bienal de Venecia. Es un trabajo colectivo en el que, a diferencia de anteriores ocasiones, en lugar de uno o dos artistas, participan cuatro: el tándem formado por Helena Cabello (París, 1963) & Ana Carceller (Madrid, 1964), Pepo Salazar (Vitoria, 1972) y Francesc Ruiz (Barcelona, 1971). 

El bicho de Kafka cumple un siglo

El 22 de noviembre de 1912 Max Brod, el amigo íntimo que desobedeció la orden de Franz Kafka de quemar todos sus escritos cuando hubiera muerto, le escribió a Felice Bauer, la entonces novia del escritor. Intentó explicarle que el autor pasaba una mala época y que sus padres no eran conscientes de que para un ser excepcionalcomo él “son necesarias condiciones igualmente excepcionales con objeto de que su delicada espiritualidad no se marchite”.

“No importa el tamaño, las esculturas de Juan Muñoz, incluso las pequeñas, se apropian del espacio y lo cargan de contenido. Las obras habitan el espacio, son invitadas pero no inquilinas”. Lo afirmaVicente Todolí, director artístico de HangarBicocca de Milán, el gigantesco centro de arte para el cual ha comisariado Double Bind & Around, la primera exposición que reúne los grupos escultóricos en resinas creados por Muñoz desde finales de los ochenta hasta su fallecimiento en agosto de 2001. A la sazón estaba en el apogeo de su trayectoria. En junio había inaugurado, siendo el segundo invitado tras Louise Bourgeois, una obra creada para la Tate Modern de Londres, la ya célebre Double Bind, que cerraba un ciclo y ponía las bases para una nueva etapa. “Quería dejar los encargos y trabajar en libertad”, recuerda el comisario, que dirigió la Tate entre 2003 y 2010.

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photo: rogério barroso. Sinalética.

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photo: rogério barroso. Azulejaria.

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photo: rogério barroso. Lisboa, minha cidade.

Millonarias mujeres de Picasso

Quizás Pablo Picasso no creía en la independencia de la obra del arte -la que dice que la producción no tiene nada que ver con la vida del artista que la genera-. Los estudiosos de Picasso (John Richardson, Hans Jaffé, Roland Penrose, Pierre Daix y Patrick O'Brien, por citar algunos aunque no están todos los que son ni son todos los que están), en cambio, coinciden en que la vida personal del pintor malagueño influía substancialmente en su trabajo; en los lienzos, dibujos, esculturas o cerámicas.

Los biógrafos coinciden también en que cuando cambiaba de mujer, casa y perro, mudaba también el estilo artístico. En su madurez las parejas le duraban unos diez años; en el ocaso de su vida, la última, Jacqueline Roque, con quien se casó en 1961, la mantuvo hasta su muerte en 1973. En una de estas fases de mutación de medio doméstico y artístico pintó la serie de quince imágenes, 'Mujeres de Alger', de 1954 a 1955, inspirada en el cuadro del mismo título de Eugene Delacroix, del siglo XIX, y de 'Bacchanal', de Nicholas Poussin (1594-1665). Subtituló las obras como versión 'A', 'B', etc. La versión 'O' se considera la culminación del experimento en una etapa de ciclos y variaciones artísticas de Picasso.

‘Art déco’, mucho más que belleza

Déco es la apócope del francésdecoratif. Y el adjetivo por el que, fundamentalmente, el art déco ha sido despreciado por los manuales de historia del arte moderno. La esencia de lo canónico ha venido marcada por el aliento utópico y político del arte por el arte, de los manifiestos vanguardistas de entreguerras que aspiraban a cambiar el mundo y romper con lo establecido. Y ahí no entraba el art déco por ornamental, por pragmático, por cursi, por opulento, por acomodaticio, por burgués, por ser el hijo mimado del capitalismo del gusto, el consumismo. Consagrados historiadores lo despachaban con una palabra: kitsch.

Diario gráfico de un indignado

Lo que me está pasando (Reservoir Books) es un álbum sobre una víctima de la crisis. Víctor Menta tiene 32 años y una licenciatura en Geología que no le sirve para encontrar trabajo. Está al borde del precipicio de la locura. Sus amigos no están mejor. Se reúnen en bancos del parque como si fueran sin techo y despotrican contra la realidad con discursos de los licenciados que son. La paradoja de estos tiempos. Cabezas universitarias en vidas de pobres. La de Víctor está a punto de saltar la barrera de la cordura. Un coro griego de objetos cotidianos le habla en una tertulia intermitente, en la que participan la jabonera, el toallero…

Sin rastro de las obras robadas en el Museo Gardner 25 años después

Cuatro marcos vacíos cuelgan en la sala holandesa del Museo Gardner de Boston (Massachusetts). Hace 25 años, en uno de ellos se podía contemplar 'La tormenta en el mar de Galilea', de Rembrandt; en otro, elautorretrato del artista joven. En la primera planta, en la habitación azul, se echa en falta un pequeño cuadro, 'Chez Tortoni', del francés Édouard Manet; un amigo de Isabella Gardner lo compró para ella en una subasta en París por 3.400 dólares en 1922.

Estas son algunas de las 13 obras robadas del museo en la madrugada del 18 de marzo de 1990. Dos hombres accedieron al palacio simulando ser policías que atendían una llamada de emergencia. Tras reducir a los guardias de seguridad, se llevaron un botín valorado en 500 millones de dólares.

Así empezó todo

Fue hace 120 años. Exactamente el 22 de marzo de 1895. Ese día, por primera vez en la historia, un grupo de personas que participaban en un convenio sobre fotografía en París se sentaron juntas en la penumbra de una sala de la Sociedad Francesa de Fomento de la Industria Nacional y asistieron colectivamente a un espectáculo increíble: vieron cómo de la pared surgía como por arte de magia un montón de personas que se movía como si estuvieran vivas, la mayoría mujeres vestidas con faldas largas y aparatosos sombreros pero también varios hombres, algunos incluso en bicicleta. Era la primera vez en la historia que se proyectaba una película de cine.

Los ‘picassos’ y los tesoros de Basilea ya están en el Prado y el Reina Sofía

Desde que a primeros de año se supo que el Kunstmuseum de Basilea, el museo municipal más importante del mundo, estaba dispuesto a prestar sus famosos tesoros artísticos a los dos principales museos nacionales españoles, Reina Sofía y Prado, la expectación no ha hecho más que crecer. No era para menos. Hoy por la mañana, por fin se han podido explorar las tres exposiciones que a lo largo de seis meses serán una visita obligada para los amantes del arte. Los diez picassos prestados al Prado ocupan ya la sala central, la más noble del museo, junto a los grandes maestros de la historia, que han sido también los mismos del artista más importante del siglo XX: Velázquez, El Greco, Tiziano, Rubens, Verones, Goya. Todo ello en un montaje en el que, como en un juego de espejos, la belleza de los lienzos de Picasso parece multiplicarse de manera infinita. Carmen Giménez, conservadora de los museos Guggenheim, profunda conocedora del artista, apenas podía reprimir las lágrimas en su recorrido por la galería central. “Es uno de los momentos más emocionantes que he contemplado en mi vida”.

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photo: rogério barroso. Melro.

Revolucionario Pomés

Joven, rubia, atractiva y ligera de ropa, que no desnuda. Si hay una imagen grabada en la retina de los españoles (sobre todo varones) de final del franquismo es la de la modelo y artista Margit Kocsis cabalgando a lomos de un caballo blanco cartujano por un idílico bosque o una paradisiaca playa. El spot que anunciaba el brandi Terry que entusiasmó dentro y fuera de nuestras fronteras desde que se rodó en 1966 transmitía una imagen moderna en una España gris que comenzaba a despertar de su letargo. Lo creo el fotógrafoLeopoldo Pomés (Barcelona, 1931) autor de un estilo elegante, luminoso, sofisticado y sensual que revolucionó la publicidad con sus fotografías y trabajos. “A la mujer la descubrimos por casualidad mi mujer Karen y yo un día que fuimos a Castelldefels”, recordaba ayer Pomés, autor también durante décadas de la famosa campaña de publicidad navideña de las burbujas Freixenet. Fue durante la presentación de la retrospectiva Leopoldo Pomés. Flashback que abre sus puertas hoy en La Pedrera, edificio de Gaudí propiedad de la Fundació Catalunya La Pedrera. “Erotizó el país”, dijo de él Vázquez Montalbán, y tenía razón a tenor de las fotografías expuestas.

NATALIE PRASS - HOLD ME CLOSE (BalconyTV)

Una obra de Miró se vende por 20,5 millones de euros en Londres

El cuadro Painting (women, moon, birds), un óleo de 1950 del pintor español Joan Miró, se vendió este miércoles en la casa Christie's de Londres en una subasta de arte surrealista por 15,5 millones de libras (20,5 millones de euros), muy por encima del precio estimado. La obra, valorada inicialmente entre 5,3 y 9,3 millones de euros, se convirtió en la pieza estrella en una puja en la que se vendieron otras cuatro obras del artista catalán, además de piezas de René Magritte, Marc Chagall, Francis Picabia, Jean (Hans) Arp y Max Ernst.

La tela, de 1953, emplea algunos de los elementos más recurrentes del pintor español en la década de 1950, como son los pájaros, los árboles, el sol y la luna. La puja fue descrita por el experto de la casa londinense en arte moderno, Olivier Camu, como "el mejor grupo de obras de Miró en salir al mercado en una sola venta".  Con esa cifra,Painting superó a L'oiseau au plumage déployé vole vers l'arbre argenté, también de Miró, un óleo sobre lienzo que alcanzó los 9,1 millones de libras (12,2 millones de euros).