Por qué se hundirá Sisi en 2017

Después de haber aplastado a todos sus rivales y amordazado los medios, Sisi ya no tiene a quién culpar por la miseria en que ha sumido a los egipcios.

Tradicionalmente, un año nuevo empieza con esperanza. Pero desde que Abdel Fattah al-Sisi se hizo con el poder en Egipto, la esperanza es muy difícil de conseguir.

Hace un par de días* estaba hablando con un conocido mío en Nueva York. Hacía poco tiempo que él había llegado procedente de Egipto; pronto quedó claro que esta falta de esperanza –y creciente irritación– es la nueva normalidad egipcia.

Debido a la hiperinflación en Egipto, el salario de mi amigo ya no tiene valor en Nueva York. “Hace tres años compré una lavadora por 3.500 libras egipcias (195 dólares). Ayer, la misma lavadora me habría costado 17.000 libras (945 dólares)”, me dijo.

Aun así, él está en una posición económica mucho menor que muchos egipcios de clase media y media baja. A no ser que uno esté ahogándose, como ellos lo están, se está obligado a entender este grave pronóstico: sin un importante y prácticamente inmediato cambio en lo político y en lo económico, es improbable que Sisi pueda acabar este año en el cargo.

Esta semana, en la misma cafetería de Nueva York cuyos dueños eran en un 99 por ciento partidarios de Sisi y en el pasado utilizaban la fuerza física con quienes se expresaran contra él, hubo una sorprendente conversación: ¿quién puede reemplazar a Sisi?

Para muchos, la cuestión ya no es que Sisi debe marcharse, sino cuándo y quién le reemplazará. Entonces, la pregunta decisiva es: ¿se dan conversaciones similares en los círculos de poder?

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photo: rogério barroso. Parque das Nações.

‘Thriller’ de sangre y viñetas en el Museo del Prado

 Ahora que hasta los jerarcas de los primeros museos del mundo editan cómics con satisfacción y hasta orgullo, es de suponer que a quienes durante tanto tiempo —y aún hoy— se burlaron del arte secuencial de la historieta y le negaron cualquier rango de creación seria, les deben de estar doliendo las tripas. Que si los tebeos no eran arte. Que si no podían salir en las páginas de Cultura de los diarios como salen el arte, la literatura, el ensayo, el cine, la música o el teatro. Que si cómo se puede comparar a Hergé y Winsor McCay con Zygmunt Bauman y John Berger.

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photo: Rogério Barroso. Parque das Nações.

La intimidad "azul" de Frida Kahlo

México era un hervidero de muralistas y vanguardias cuando Leo Matiz llegó en el año 1940. Sin embargo, no era eso lo que el fotógrafo y reportero de guerra perseguía. Su objetivo era otro: cumplir el sueño de entrevistarse con Trotski. También había revolución por aquellos días en Coyoacán, gracias al exilio mexicano del creador del Ejército Rojo. La mala fortuna hizo, no obstante, que el colombiano aterrizase en México el mismo día en que Ramón Mercader asesinaba a Trotski, aquel 21 de agosto de 1940, sumando una fecha más con la que quedó marcada su vida.

Matiz nació en Aracataca, el pueblo colombiano que alumbró también a Gabriel García Márquez. Lo hizo 10 años antes de que naciera el autor de Cien años de soledad, y casualmente, llegó a tierras mexicanas una década antes que el literato, exportando "ese Macondo de los colombianos" que Matiz ya había arrastrado por ciudades de todo el mundo, adonde llegaba haciendo fotografías para revistas como El tiempo

Los amigos del señor Cervantes

No habría hecho uno mucho por conocer y tratar a Lope o a Quevedo, a Mateo Alemán o a Góngora, sin que nada de esto menoscabe el mucho aprecio y admiración que siente uno por las obras de todos ellos, en muchos aspectos «mejores» que las de Cervantes, si acaso podemos hablar de ese modo y comparar lo incomparable.

Con Cervantes acaba sucediendo, sin embargo, algo diferente. A Cervantes lo hubiera uno querido conocer, aun sin haber leído sus libros. Querríamos haber coincidido con él en una venta o en una taberna o donde fuera. Creo que si es tan buen escritor fue por haber ido de incógnito por la vida, sin darse ninguna importancia. Aunque se elogia a veces (a ese «defectillo» aludió cariñosamente Azorín), jamás se dio importancia.

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photo: rogério barroso. Santa Engrácia.

El Museo del Bardo vive y no se rinde

 "¿Tú vas a Túnez? Yo, sí", decía un anuncio que colgaba de algunas farolas en las calles de Roma hasta hace escasos meses. Con el anuncio, se animaba a visitar Túnez a pesar del ataque contra el Museo Nacional del Bardo ocurrido el pasado 18 de marzo y en el que murieron 22 personas. En junio, tras un nuevo atentado contra extranjeros en el país magrebí -esta vez en una playa de la localidad de Susa donde un terrorista abrió fuego contra los turistas que tomaban el sol-, la publicidad desapareció de las calles de Roma. Ahora, tras cinco meses, se inaugura en Italia una exposición con obras del Museo del Bardo. Ya que la montaña no va a Mahoma, Mahoma va a la montaña.

Las «Cuatro Marilyns» de Warhol, subastadas por 36 millones de dólares

El icónico cuadro «Four Marilyns» (Cuatro Marilyns) de Andy Warhol, de la serie de la retratos posmodernos que el artista estadounidense realizó de la diva de Hollywood se subastó hoy en Christie's por 36 millones de dólares de precio final.
La obra se inscribe dentro de la serie de retratos que Warhol pintó de Marilyn Monroe tras impresionarse enormemente por la muerte temprana de la estrella de «Con faldas y a lo loco» y «La tentación vive arriba». La imagen en tonos pastel multiplica por cuatro una imagen de la actriz extraída de la promoción de su filme «Niágara».

Sale a subasta una obra impresionista que Dalí pintó con 16 años

 Reconocido por su gran legado al surrealismo, Salvador Dalí (Figueras 1904-1989) también tuvo una época impresionista cuando era joven, más precisamente, a los 16 años. Como Claude Monet en Giverny, pintaba en plein air en el lago de Vilabertran, cerca de Figueres (Girona) y en 1919 comenzó a trabajar en una obra impresionista, un óleo sobre lienzo, El llac de Vilabertran, la cual sale a la venta el 10 de noviembre en Fernando Durán Subastas.

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photo: rogério barroso. Lisboa.

“Nunca sé si la foto es buena hasta que la revelo, a pesar de los años”

 Sentado en una cómoda butaca en un remedo de taberna caribeña abierta en una antigua fábrica de gas de Ámsterdam, Elliott Erwitt, de 87 años, uno de los fotógrafos más famosos de la emblemática agencia Magnum, asegura con picardía que “la mejor imagen siempre es la siguiente”. Aunque la respuesta parece una evasiva para no elegir entre las miles de instantáneas de su veintena de libros, no es eso. Apodado el maestro del momento oportuno, capaz de captar con igual agudeza a una pareja anónima besándose que a Marilyn Monroe, Richard Nixon, Jacqueline Kennedy en el funeral por el asesinato de su esposo o Bob Dylan, admite que “una buena situación mejora las posibilidades de dar con la escena adecuada”. Pero no todo es suerte ni oportunidad. Un cierto grado de incertidumbre parece ser el ingrediente esencial para que la fórmula funcione, porque, según asegura: “Nunca sé si la foto es buena hasta que la revelo, a pesar de los años que llevo en esto”.

El eterno femenino a los ojos de Klimt, Schiele y Kokoschka

La identidad sexual moderna tiene sus orígenes ahí en los primeros años del siglo XX, los más productivos de las tres estrellas de la pintura austriaca: el simbolista Gustav Klimt (1862-1918), el expresionista (y poeta) Oskar Kokoschka (1886-1980) y el también grabador Egon Schiele (1890-1918). El Museo Belvedere de Viena repasa aquel génesis desde la mirada desde estos tres hombres hacia las mujeres, con una exposición que muestra la colaboración de estos artistas en el rompimiento con los imperativos morales del siglo XIX que da paso a una nueva era en la que cambiarán los roles sexuales tradicionales.
No fue solamente la creciente participación de la mujer en la sociedad lo que agitaba la calma burguesa del fin de siglo vienés, sino que el sincero deseo manifiesto de la lujuria sexual de hombres y mujeres. Un corte transversal a aquellos cambios en el imaginario colectivo de la época es lo que se refleja en «Klimt/Schiele/Kokoschka y las mujeres», la exposición del palacio Belvedere Inferior que se acerca a ese nuevo espíritu desde la mirada plasmada en tela de estos tres monstruos de la pintura europea. Cada uno desde su constelación artística, pero con evidentes similitudes entre ellos.

Picasso, el 'fan art'

Con poco más de 10 años, dos experiencias reveladoras que más o menos llegaron al mismo tiempo y de las que Picasso hizo virtud y biografía: crear y las 'manolas' (el tocarse de niño de toda la vida, vamos). Muy importantes las dos en su obra hasta el último momento. Y las dos las perfeccionó, claro. Del erotismo y el sexo se ha disertado de forma cumplida. El Centro Cultural Bancaja se centra en una extensísima exposición de más de 200 piezas en lo primero: los maestros del malagueño y su influencia en su trayectoria.

Con 13 años (algunos de esos primerísimos trabajos se han llegado a subastar por más de 2 millones de euros), en los parones de los viajes de familia, Picasso se convirtió en un 'fan', un admirador, del sufrimiento de colores y el trazo de Velázquez, Zurbarán, de Goya, Rafael o El Greco. "Por primera vez pude enfrentarme a mis ídolos". Estaban en Madrid. En el Prado. Y de ellos hablaba.

En una libreta empezó intentando copiar el estilo de Velázquez y meter algo del suyo en esa atmósfera sórdida y marginal de enanos y bufones. Esa herencia que recogió muy disciplinadamente le llevó a pasar más de 8 horas al día frente al cuaderno para reproducir los temas que veía en las obras de los demás. Fue prolífico, sobre todo, en la relación del artista con las modelos y el autorretrato del pintor como el que no quiere la cosa. Aquí la influencia de Velázquez es indiscutible. Y es Velázquez, también, el autor patrono por el que más respeto pudo sentir, si se tiene en cuenta que tardó 60 años en versionar 'Las Meninas', aunque lo hizo con fruición: 44 veces en 1957.

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photos: rogério barroso. Praia da Torreira.

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photo: rogério barroso. Ria de Aveiro - Torreira.

¿Pintó El Bosco los ‘pecados’ de El Prado?

 Casi cincuenta años han tardado los expertos en fijar en 340 el catálogo de obras legítimas de Rembrandt, el maestro del Siglo de Oro holandés. Con El Bosco (1450-1516), el famoso pintor de Brabante que no fechó y apenas firmó su producción, las sorpresas sobre la atribución no han hecho más que empezar. Según el Proyecto de Investigación y Conservación, en Holanda, dedicado desde 2010 a su trabajo, tanto Mesa de los pecados capitales (El Prado) como Cristo con la cruz a cuestas (Museo de Bellas Artes de Gante), no son suyos. Si bien fueron ejecutados en su entorno y en su época, “lo más probable es que se deban a sus seguidores y por tanto no se le pueden adjudicar”. Así lo afirma el historiador del arte Matthijs Ilsink, coordinador del Proyecto, que sustentó ayer su hallazgo en el programa Nieuwsuurde la televisión pública holandesa. El Museo del Prado, de Madrid, por el contrario, cree que la tabla sí es del artista, y sus propias conclusiones aparecerán en mayo, cuando la exposición viaje a Madrid.

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photo: rogério barroso. Ombreira de porta.

‘Satisfaction’: Un grito de frustración y deseo

Todo fue tan simple como juntar un riff y un par de frases. El riff era sucio, manchado de distorsión. Las frases era tan contundentes como el dibujo de la guitarra: I can't get no, satisfaction. Ambos elementos, juntos y manejados por los Rolling Stones, subieron la temperatura del verano de 1965. Satisfaction fue una de las primeras señales evidentes de que la música pop empezaba a ser algo reivindicativo.

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photo: rogério barroso. Parque das Nações.